Neoklasično gledališče – pogosto napisano kot gledališče – se nanaša na gibanje od sredine 17. do začetka 18. stoletja, v katerem so gledališko umetnost opredeljevale ideje in slogi starodavnih grških in rimskih družb. Ljudje tistega časa so se močno osredotočali na dostojanstvenost ali dostojanstveno vedenje in realizem in so verjeli, da so glavni razlogi za igro zagotavljanje zabave in poučevanje. Veličastna, zapletena kulisa, dodelana drama in stroga skrb za klasiko so bili značilnost gibanja, pri čemer je večina produkcij zaznamovala tudi uporabo petih dejanj, nekaj predstav in visoko stopnjo improvizacije. Gibanje se je začelo v Franciji, a se je hitro razširilo po Evropi in širše.
Vodilno načelo dobe
Splošna filozofija v času neoklasicizma je bila, da so bila prejšnja obdobja preveč ohlapna in so se pretirano osredotočala na čustva in posameznika. Ljudje tistega časa so verjeli, da se je treba zaradi tega nekoliko zadržati in se bolj osredotočiti na to, kaj lahko vsaka oseba prispeva k celotni družbi. Navdih o tem, kako to storiti, so iskali v kulturah starih Grkov in Rimljanov, prvotnih klasicistov, in se poskušali vrniti k načinu, kako so te skupine obravnavale življenje in umetnost.
Pet pravil
Odnos neoklasicistov do ekscesa in posameznika jih je pripeljal do oblikovanja strogih smernic, kaj je v gledališču primerno. Ti so vključevali pet osnovnih pravil: čistost oblike, pet dejanj, verodostojnost ali realizem, okrasnost in namen. Igralne hiše so na splošno zavrnile scenarije ali produkcije, ki niso izpolnjevale teh zahtev.
Dramaturgi in igralci v neoklasicističnem obdobju so uradno priznavali le dve vrsti iger: komedijo in tragedijo. Teh nikoli niso mešali skupaj, omejitev pa je privedla do uporabe zdaj dobro znanega para veselih in žalostnih mask, ki simbolizirata gledališko umetnost. Poleg tega so dodatne določbe urejale vsebino in like, ki so se lahko pojavili v vsaki zvrsti igre. Komedije, ki so bile satire ali komedije manir, so se osredotočale na nižje družbene sloje, medtem ko so tragedije prikazovale zapletena in usodna življenja višjih slojev in kraljev. Spoštovanje teh žanrov je bilo ključnega pomena za uspeh predstave, odstopanje od teh razrednih meja pa je bilo v nasprotju z redom klasike.
Ideja, da bi morala biti igra strukturirana z natanko petimi dejanji, je povezana s tremi načeli ali enotnostmi, ki jih je zasnoval Aristotel. Kot filozof in analitik je verjel, da dobro, realistično gledališče zahteva enotnost delovanja, kraja in časa, kar pomeni zelo malo podzapletov, omejitev premikov v lokaciji ali geografiji in ohranjanje časovne premice zapleta na največ 24 ur. Dramaturgi, ki so se preselili v različne formate, so običajno naleteli na močne kritike. Poleg omejitve petih dejanj so najbolj resne produkcije dobile le eno ali peščico predstav, saj so se vpleteni želeli izogniti ustvarjanju spektakel in pritegniti elito oziroma učenost v družbi, kar je imelo za posledico precej manjšo publiko.
Ljudje, ki živijo v tem obdobju, so tudi običajno pričakovali, da bodo igralci čim bolj realistični in da bodo svoje like upodobili točno tako, kot bi se obnašali. V drugih stilih gledališča so bili igralci znani po tem, da so bili preveč dramatični ali igrali zunaj svojega razreda ali vloge, vendar je neoklasicizem zahteval strogo upoštevanje razreda, družbenega statusa, temperamenta in spola. Fantastični ali nadnaravni elementi, skupaj s samospevi in refreni, običajno niso bili vključeni, ker niso predstavljali izkušenj ali vedenja v resničnem svetu.
Decorum je pozval k scenarijem, ki bi pokazali poštenost v načinu, kako so bili liki upodobljeni in ocenjeni na odru. Pomenilo je tudi, da bo pravica zadoščena, kadar je to potrebno, zato v neoklasičnem gledališču na splošno ni bilo presenetljivih koncev v smislu, da so bili liki z zdravo moralno presojo vedno nagrajeni, tisti, ki so se odločili slabo ali zlobno, pa kaznovani. Produkcije naj bi na koncu izpolnile namen poučevanja neke moralne lekcije in zabave.
Oder, scenografije in kostumi
Scene v neoklasičnem gledališču so bile dramatične, dovršene in bogate. Zasnovani so bili tako, da nudijo bujno ozadje vsakemu prizoru in pomagajo občinstvu, da se izgubi v drami. Drugi cilj je bil zagotoviti realistično iluzijo globine in zaznave. Sami odri so bili v tem obdobju preoblikovani z dramatičnimi oboki, da bi poudarili prizore in več vstopnih točk na oder. Ideja o spremembi kulise in ozadja je postala bolj izrazita, zlasti z izumom sistemov škripcev, ki so omogočili hitrejše premikanje delov po odru. Svetlobni in zvočni učinki so povečali razpoloženje in sporočilo vsakega prizora ter izboljšali dramatično izkušnjo.
Seveda bi bila temna oblačila v kontekstu teh novih kompletov in odrskih modelov videti nekoliko neumestna. Čeprav so kostumi ohranili občutek realizma, so bili še vedno zelo pisani, pogosto so uporabljali čipke in druge okraske, da bi bili bolj privlačni. Včasih so igralci v predstavi uporabljali tudi maske, v skladu s slogom commedia dell’arte.
improvizacija
V mnogih primerih bi dramaturgi ponudili le ohlapen oris zapleta, igralci pa naj bi improvizirali, da bi zapolnili morebitne vrzeli. To je bilo pogosteje pri komedijah, vendar se je pojavljalo v obeh oblikah, saj je bila uprizoritev predstave pogosto spontana odločitev, ki ni vedno dopuščala veliko časa za pisanje ali vaje. V nekaterih skupinah so se ljudje specializirali za igranje zelo omejenega števila likov, da bi lahko bolje ujeli osebnosti na letenje, nekaj igralcev pa se je v celotni karieri posvetilo igranju istih vlog.
Predstavitev žensk
Stoletja so smeli biti na odru samo moški. Splošno stališče je bilo, da žensk ne bi smeli vključevati v javne spektakle ali postavljati na pomembnejši položaj, in nekateri ljudje so verjeli, da so ženske tako zaposlene z razmišljanjem o drugih stvareh, da se nikakor ne morejo spomniti in pravilno podajati vrstic. Predpubertetni fantje ali moški, ki so znali manipulirati s svojim glasom, so zato prevzeli ženske vloge. V obdobju neoklasicizma pa je bilo ženskam dovoljeno biti delničarke gledaliških družb in sodelovati v produkcijah, kar je povzročilo nekatere od prvih poklicnih plačanih igralk.
Glavni dramatiki
Medtem ko je bilo med neoklasicističnim gibanjem veliko uspešnih dramatikov, so trije dramatiki dosegli precejšen uspeh in razvpit. Pierre Cornielle (1606 – 1684) se pogosto imenuje oče francoske tragedije, ki je pisal scenarije več kot štiri desetletja. Jean-Baptiste Poquelin – bolj znan kot Molière (1622 – 1673) – je znan po svojih komedijah. Jean Racine (1639 – 1699) je bil tragik, ki je bil priljubljen zaradi svojega poenostavljenega pristopa k dejanjem ter jezikovnih ritmov in učinkov, ki jih je dosegel. Vsi ti trije so lahko prevzeli elemente iz klasične grške in rimske književnosti in jih preoblikovali v igre, ki so se držale neoklasičnih standardov dekorja, časa in prostora.